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77 bemerkenswerte Bauwerke des Backsteinexpressionismus in Deutschland und weiteren Ländern, überwiegend erbaut in den 1920er Jahren, werden in diesem handlichen Taschenbuch auf jeweils einer Seite mit Foto und kurzem Begleittext vorgestellt. Für alle, die expressionistische Backsteinarchitektur mögen, die Architektur der Zwischenkriegszeit schätzen und wissen wollen, in welchen Städten die schönsten Gebäude des Backsteinexpressionismus zu finden sind.

In sechs Kapiteln – Die Brücke, Norddeutscher Expressionismus, Der Blaue Reiter, Rheinischer Expressionismus, Die Stadt und Expressionismus in Wien – stellt dieses Buch eine besondere deutsche Stilrichtung vor; ein Phänomen, das als „wichtigster deutscher Beitrag zur europäischen Kunst des 20. Jahrhunderts“ beschrieben wurde. Präsentiert werden bekannte Künstler wie Beckmann, Heckel, Kandinsky, Kirchner, Kokoschka, Macke, Marc, Nolde, Schiele und Schmidt-Rottluff – aber auch unbekanntere Namen wie Campendonk, Felixmüller, Meidner, Morgner, Münter und von Werefkin.

Die Lyrik des Expressionismus eröffnet ein neues Zeitalter der deutschen Literatursprache. Zu den zentralen Themenfeldern der expressionistischen Epoche zwischen 1910 und 1920 gehören: die moderne Großstadt, die Vorahnung und Erfahrung eines Ersten Weltkrieges, die industrielle Arbeitswelt, aber auch die Suche nach politischer und religiöser Neuorientierung sowie nach emotionaler Geborgenheit durch die Poesie und in ihr. Die oft apokalyptische Sprachgewalt der expressionistischen Lyrik ist ein Gradmesser der literarischen Krisenerfahrung der Moderne. Kurze und kompakte Einleitungen führen in die Themenfelder ein. Texte von Georg Simmel, Friedrich Nietzsche, Gustav Landauer, Kurt Pinthus erschließen eingangs den Problemhorizont dieser Epoche. Pluspunkte: Die wichtigsten Gedichte der Epoche nach Themenkreisen zusammengefasst und jeweils kompakt eingeleitet unentbehrlich für Studierende der Germanistik auch für den Schulgebrauch geeignet

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Heute können sich die Werke der Expressionisten zahlreicher und begeisterter Kunstliebhaber sicher sein. Ursprünglichkeit und Farbenrausch, bekannte Motive, erfahrbare, aber auch voyeuristisch anmutende Blicke auf die Erlebniswelten der Künstler sprechen das heutige Publikum an. Das war nicht immer so. Ursprünglich galten die Expressionisten als skandalträchtige Außenseiter der Gesellschaft, die nicht nur mit der akademischen Malerei brachen, sondern auch radikal mit allem Bürgerlichen. Mit Werken zahlreicher expressionistischer Künstler thematisiert dieser Katalog die zeitgenössischen Einflüsse auf die Kunst des Expressionismus ebenso wie die vernichtende Kritik, die ihr damals entgegenschlug. Today, the works of the Expressionists enjoy great international popularity – but this was not always the case. The Expressionists were originally considered scandalous outsiders, who not only broke with the tradition of academic painting, but also with bourgeois culture. This richly illustrated catalogue sheds light on contemporary influences on the art of the Expressionists, as well as on the scathing criticism with which it was confronted in its own time.

Der Abstrakte Expressionismus betrachtet den ungegenständlichen Einsatz von Farbe als Mittel des persönlichen Ausdrucks. Die erste amerikanische Kunstbewegung, die einen weltweiten Einfluss ausübte, entstand in den 1940er-Jahren. Zu ihren Protagonisten gehörten Jackson Pollock , Philip Guston , Robert Motherwell , Mark Rothko und Willem de Kooning . Aus dem Abstrakten Expressionismus gingen viele verschiedene Stilrichtungen hervor, aber zwei machten besonders Furore: das von de Kooning und Pollock praktizierte Action Painting und die Farbfeldmalerei, die vor allem durch Rothko berühmt wurde. Alle Abstrakten Expressionisten wollten Emotionen und Ideen durch Markierungen , Formen, Texturen, Farbschattierungen und die Art des Pinselstrichs transportieren. Sie bevorzugten großformatige Leinwände und räumten dem Zufall in der Entstehung ihrer Kunst eine wichtige Rolle ein. Dieses Buch präsentiert Arbeiten der 20 wichtigsten Abstrakten Expressionisten und stellt die Bewegung vor, die das Zentrum der Kunstwelt von Paris nach New York verlagerte und für viele nach wie vor den Höhepunkt amerikanischer Kunst repräsentiert.

Von Jakob van Hoddis' »Weltende« bis Kurt Schwitters' »An Anna Blume«: die Gedichtsammlung bietet...

Von Jakob van Hoddis’ »Weltende« bis Kurt Schwitters’ »An Anna Blume«: die Gedichtsammlung bietet die kanonischen Gedichte der expressionistischen Lyrik. Und sie lädt zu Entdeckungen ein: Wer kennt Ernst Blass’ »Vormittag« oder Paul Boldts »Junge Pferde«? Das Spektrum expressionistischer Gestaltungsmöglichkeiten kommt ebenso zur Geltung wie die Spannbreite expressionistischer Themen – von Aufbruch und Revolte gegen die wilhelminische Bürgerlichkeit bis Krieg und Weltuntergang. Kurz: ein repräsentativer Querschnitt durch die Epoche mit Überraschungspotential.

Herausragende Werke amerikanischer Malerei von der Nachkriegszeit bis in die Gegenwart: Im Neubau des japanischen Stararchitekten Fumihiko Maki ist die Sammlung Reinhard Ernst seit 2024 in Wiesbaden zu sehen, in einem der wenigen Museen weltweit, das sich exklusiv abstrakter Kunst widmet. 110 Werke von 61 Künstlerinnen und Künstlern unterstreichen die große Freude an der Farbe. Den Facettenreichtum von rund 70 Jahren amerikanischer Abstraktion offenbart der Blick auf Künstlergruppierungen wie die New York School oder die Washington Color School und auf einflussreiche Einzelpositionen. Von Josef Albers über Helen Frankenthaler bis hin zu Andy Warhol und Julian Schnabel illustrieren die Werke die eindrucksvolle Vielfalt abstrakter Positionen jenseits des Atlantiks. Dabei treffen expressive Formspiele auf streng geometrische Kompositionen, malerische Werke treten in Dialog mit skulpturalen Objekten.

Für Grußkarten, Glückwunschkarten, Geschenkkarten, Einladungskarten, zum Sammeln oder zur Deko. Im Format 15,4 x 10,8 cm. Motive u.a. von Franz Marc, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke und Vincent van Gogh. Mit viel Platz zum Schreiben Zu Beginn des 20. Jahrhunderts bewegte sich die Kunst in Deutschland und anderen Ländern in eine neue Richtung, gegen das bestehende Kunstverständnis und gegen den Impressionismus, hin zu reduzierten Motiven mit ausdrucksstarken Farben. Gerade in Deutschland wurde der Expressionismus von Künstlern der ›Brücke‹ und der Vereinigung ›Der blaue Reiter‹ geprägt. Ob z. B. Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller oder Franz Marc, die Künstler protestierten mit ihren Bildern und ihrem Lebensstil gegen das Bürgertum. In diesem Buch sind 18 ausgewählte Werke namhafter Künstler des Expressionismus als Postkarten zum Heraustrennen gesammelt.

Fachbuch aus dem Jahr 2011 im Fachbereich Kunst - Malerei, , Sprache: Deutsch, Abstract: Mit dem Ehrentitel "Pionierin des Expressionismus in Deutschland" ging die Künstlerin Paula Modersohn-Becker (1876-1907), geborene Minna Hermine Paula Becker, in die Geschichte der Malerei ein. Innerhalb von knapp 14 Jahren, in denen sie künstlerisch tätig war, schuf sie 750 Gemälde, etwa 1.000 Zeichnungen und 13 Radierungen, welche die bedeutendsten Aspekte der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts in sich vereinen. Ihre beliebtesten Motive waren bäuerliche Frauen und Kinder, Selbstbildnisse und Stilleben. Sie vertrat die Auffassung: "Die Stärke, mit der ein Gegenstand erfasst wird (Stilleben, Porträts oder Phantasiegebilde), das ist die Schönheit in der Kunst". In der Literatur wird sie zuweilen auch "Paula Modersohn" oder "Paula Becker-Modersohn" genannt.

Spitze Winkel, seltsame Formen, grelle Farben und verzerrte Perspektiven sind typische Merkmale des Expressionismus , jener Bewegung des 20. Jahrhunderts, die Emotionen höher schätzte als Objektivität . Der ästhetische Ansatz der vor allem in Deutschland und Österreich wirkenden Künstler erregte auch international großes Aufsehen und gilt heute als eine der einflussreichsten Paradigmenverschiebungen der gesamten Kunstgeschichte . Die führenden Gruppen Die Brücke und Der Blaue Reiter und maßgebliche Künstler wie Wassily Kandinsky , Egon Schiele und Emil Nolde lehnten den Impressionismus als eine Kunstform ab, in der „der Mensch zu einer Grammofonplatte der Außenwelt degradiert sei“. Stattdessen wollten sie das rohe, unter der glatten Oberfläche brodelnde, wahrhaftige Leben darstellen. Ihre Bilder sind voller emotionaler Kraft, die vor allem durch intensive nicht naturalistische Farbtöne, einen losen Pinselstrich und einen dicken Farbauftrag übermittelt wird. Diese Einführung stellt die wichtigsten Vertreter des Expressionismus vor, erklärt ihre Stilmittel und Einflüsse und erkundet ihr Panorama an Stimmungen, Ideen und Emotionen und ihre Suche nach Authentizität.

Von der Bildbetrachtung über das eigene Tun: die beste und einfachste Art, Künstler*innen der Moderne und ihre Werke zu verstehen Fragt man Schüler*innen nach Ihren Kenntnissen zu Kunstepochen oder Künstlern, wissen sie oft nicht viel darüber. Die Lehrpläne fordern aber die Vermittlung von Kenntnissen im Bereich der Kunstgeschichte. Dieser Band schafft hier Abhilfe! Anhand ausgewählter Künstler und Ihren Werken werden den Schüler*innen einige kunstgeschichtliche Epochen der Moderne nahegebracht. Das ist ganz einfach und zeitsparend für Sie möglich, denn Sie finden zu jedem Künstler eine Kurzbiografie, ein ausgewähltes Kunstwerk und eine Anleitung zur Bildbetrachtung. Durch die intensive Bildbetrachtung werden die Schüler angeleitet die jeweils charakteristischen Stilmittel eines Künstlers zu erkennen und sie dann in eigenständigen Arbeiten zu zitieren und in diese einfließen zu lassen. Dabei wurde bei der Auswahl der Kunstwerke besonders darauf geachtet, dass sowohl Thema als auch Gedankenwelt altersgerecht sind. Die sich anschließende praktische Arbeit wird durch Lehrkraftinformationen mit Angaben zu Zeitbedarf, Jahrgangsstufe, Kompetenzen, Hinweise zur Umsetzung, Variante, Material und ein Schüler*innenarbeitsblatt mit Schritt-für-Schritt-Anleitung entlastet. Bei der Kunstproduktion wird den Schüler*innen größtmöglicher Spielraum für individuelle Ideen gelassen. So begeistern Sie Ihre Schüler für moderne Kunst! Die Themen: - Pop Art: Niki de Saint Phalle und Roy Lichtenstein - Surrealismus: Joan Miró, Max Ernst und René Magritte - Expressionismus: Gabriele Münter und Henri Matisse - Kubismus: Pablo Picasso - Phantasiebilder: Marc Chagall Der Band enthält: - Ausgewählte Kunstwerke in Farbe - Künstler*innenbiografien - Anleitungen zur Bildbetrachtung - Praktische Aufgaben mit Lehrkraftinformationen und Schüler*innenarbeitsblatt - Zeichenhilfen - Farbige Schülerarbeiten

Mit den Editionen erleichtern Sie Ihren Schülerinnen und Schülern die Lektüre und vermitteln Lust zum Lesen: Individuell und leserfreundlich mit den zum Verständnis notwendigen Wort- und Sacherklärungen sowie einem Materialteil, der zeitgeschichtliche und literarische Originaltexte anbietet. „Ihnen entfaltete das Gefühl sich maßlos. Sie sahen nicht. Sie schauten. Sie fotografierten nicht. Sie hatten Gesichte. Statt der Rakete schufen sie die dauernde Erregung.“ Kasimir Edschmid über die expressionistischen Dichter, 1917

Der Impressionismus in neuem Licht Dieser reich illustrierte, großformatige Prachtband bietet einen umfassenden Überblick über den Impressionismus und seine Bedeutung für Kunst und Kultur. Als Claude Monet seine Hafenlandschaft im morgendlichen Nebel malte und sie Impression, Sonnenaufgang nannte, ahnte wohl niemand, dass dieses leicht hingestrichelte Werk der Auftakt und Namensgeber einer der wichtigsten Stilrichtungen der Kunstgeschichte werden sollte. In den folgenden zwei Jahrzehnten entwickelten Künstler wie Claude Monet, Auguste Renoir, Édouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro und Mary Cassatt einen Malstil, der für die damalige Zeit geradezu revolutionär war: Formen und Konturen lösten sich schrittweise auf, zugunsten von subjektiven Sinneseindrücken aus Licht und Farbe. Das Buch von Norbert Wolf verdeutlicht, weshalb der Impressionismus als Vorbereiter der Moderne gilt und warum er bis in die heutige Zeit weltweit noch immer Scharen von faszinierten Besuchern in die Museen lockt. Der Autor beschreibt historische Vorläufer, zeitgenössische Kritik sowie nachfolgende Strömungen in ganz Europa und zieht Parallelen zu anderen Gattungen und Künsten wie Fotografie, Musik und Literatur. Der vielseitige Ansatz macht diesen opulent bebilderten Band zu einem unerlässlichen Kompendium für interessierte Kunstliebhaber und -kenner gleichermaßen.

Dieser großzügig illustrierte Band zeichnet die Errungenschaften der impressionistischen Bewegung in einem kompakten, äußerst attraktiven Format nach. Der Impressionismus ist wohl die wichtigste Bewegung in der Geschichte der modernen Kunst und veränderte die Art und Weise, wie das Publikum die Malerei wahrnahm. Dieses handliche Buch enthält eine Fülle von Bildern und Informationen über die führenden Persönlichkeiten der Bewegung. Es zeichnet die Entwicklung nach, wie verschiedene Künstler die Herausforderung annahmen, Licht und Raum in zwei Dimensionen neu zu definieren, und zeigt die Rolle neuer wissenschaftlicher Entdeckungen der damaligen Zeit, das sich wandelnde Stadtbild von Paris und die Reaktion des Publikums auf diese umwälzenden Veränderungen. Die Werke von Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Caillebotte, Degas, Morisot, Seurat und anderen werden mit großzügigen, ganzseitigen Abbildungen ihrer Meisterwerke besonders hervorgehoben. Das Buch ist chronologisch geordnet und bietet wichtige biografische Details zu den Künstlern und beschreibt historische Ereignisse im Kontext der neuesten wissenschaftlichen Erkenntnisse.

Die Geschichte des französischen Impressionismus Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir und Alfred Sisley fanden in den 1860er Jahren als Gruppe zusammen und revolutionierten die Kunst mit lichtdurchfluteten Landschaften, die sich von den traditionellen Bildthemen ihrer Zeit befreiten. 1874 wurden sie als die „Impressionisten“ bekannt, die mit Vorliebe in freier Natur malten und flüchtige Sinneseindrücke möglichst unmittelbar auf die Leinwand bannten. Künstler wie Berthe Morisot, Paul Cézanne und Gustave Caillebotte schlossen sich dieser neuen Kunstrichtung an. Mehr als ein Jahrzehnt später entwickelten Künstler wie Paul Signac und Henri-Edmond Cross die Malerei dieser Pioniere weiter, und sogar Pablo Picasso ließ sich in seinem ersten Jahr in Paris, 1901, vom impressionistischen Stil inspirieren. Es gibt keine vergleichbare Sammlung, die impressionistische Landschaftsmalerei so umfangreich und in ihrer Entwicklung und Ikonographie so schlüssig zeigen kann, wie die in den vergangenen Jahrzehnten von Hasso Plattner zusammengetragene. Die über 100 Gemälde werden jetzt als Dauerleihgaben in dem von ihm gegründeten Museum Barberini in Potsdam präsentiert. Anhand dieser Sammlung stellt Ortrud Westheider, Direktorin des Museums Barberini, die Geschichte des französischen Impressionismus vor. Noch immer fasziniert diese Malerei mit ihrer Konzentration auf den Augenblick. Die Impressionisten wollten alles malen, wenn es nur neu gesehen war. Ihrer Beobachtungsgabe verdanken sich realistische Bilder von überraschender Abstraktion. Geleitet von den Wechselwirkungen des Lichts und der Atmosphäre schufen sie zeitlos schöne Landschaften, deren Neuerungsgeist und Energie bis heute begeistert.

Paul von Ravenstein war Mitglied des Künstlerbunds Karlsruhe und Schwie- gersohn Moritz von Schwinds. Er schuf ein realistisches Œuvre mit impressionistischen Einflüssen. Armin Reumann wiederum war als Absolvent der Münchner Akademie und als Künstler der Galerie Thannhauser ein typischer Vertreter des deutschen Impressionismus und ein aufgehender Stern der Avantgarde vor dem Ersten Weltkrieg. Mit den beiden Malern wird die Landschaftsmalerei der Kunstakade mien in Karlsruhe und München zwischen Realismus und Impressionismus exemplarisch beleuchtet. Dabei stehen sich die beiden Kunstrichtungen weniger als Gegensätze gegenüber, sondern streben weg vom Idealismus und suchen als Ausprägungen eines Naturalismus nach der Wiedergabe und Deutung der Wirklichkeit. Ausstellung und Buch bieten eine umfangreiche, zweifache Retrospektive, die Paul von Ravenstein und Armin Reumann dem Vergessen entreißt und eine künstlerische Neuentdeckung und Neubewertung ermöglicht.

Studienarbeit aus dem Jahr 2015 im Fachbereich Filmwissenschaft, Note: 1,3, Friedrich-Alexander-Universität Erlangen-Nürnberg (Institut für Theater- und Medienwissenschaften), Veranstaltung: Proseminar Autoren und Genre, Sprache: Deutsch, Abstract: Im Rahmen dieser Hausarbeit möchte ich mich mit den Stilmerkmalen des deutschen expressionistischen Films der Zwanziger Jahre auseinandersetzen und versuchen, ihren Einfluss auf die Filme Ende des 21. Jahrhunderts zu untersuchen. Um aber dabei den Rahmen dieser Arbeit nicht zu überschreiten, werde ich mich auf zwei zentrale Merkmale beschränken, die man auch noch in moderneren Filmen unserer Zeit finden kann. Für dieses Vorhaben habe ich mich für den Regisseur Tim Burton entschieden, da man, wie ich finde, bei seinen Filmen am deutlichsten erkennen kann, dass er sich thematisch, wie auch optisch von den expressionistischen Filme der zwanziger Jahre beeinflussen lässt. Daher werde ich im weiteren Verlauf meiner Arbeit versuchen die Frage zu beantworten, warum Tim Burton in seinen Filmen bei der Bildgestaltung und bei seinen Figuren auf expressionistische Elemente zurückgreift. Vorher gilt es aber wichtige Grundlagen anzuführen, die mir bei der Beantwortung meiner Fragestellung helfen sollen. Danach folgt eine Analyse zweier ausgewählter Filme von Burton, in der ich die einzelnen Elemente expressionistischer Merkmale herausstellen und erklären werde. Ich werde in einigen Gliederungspunkten vereinzelt auf bekannte Werke des expressionistischen Films der zwanziger Jahre zu sprechen kommen, um zeigen können, wo genau und wie Tim Burton expressionistische Elemente in seinen Filmen einbaut. Diese bekannten Werke der zwanziger Jahre sind unter anderem "NOSFERATU ¿ EINE SYMPHONIE DES GRAUENS" von Friedrich Wilhelm Murnau aus dem Jahr 1922, "METROPOLIS" von Fritz Lang aus dem Jahr 1927 und "DAS CABINET DES DR. CALIGARI" von Robert Wiene aus dem Jahr 1920. Da Tim Burton bis heute eine große Anzahl von Filmen gedreht hat und bei fast ausschließlich allen expressionistische Elemente zu finden sind, werde ich mich auf zwei Filme beschränken, von den ich denke, das man ihnen diesen Einfluss deutlich ansieht. Tim Burtons Filme lassen sich grob gegliedert in Stop-Motion Puppentrickfilme und Spielfilme mit realen Schauspielern unterscheiden. Ich möchte mich jeweils einem Film aus jeder Kategorie zuwenden. Dazu werde ich mit dem Kurzfilm "VINCENT" von 1982 und dem Spielfilm "EDWARD SCISSORHANDS" von 1990 arbeiten.

Als eine kleine Gruppe junger Maler ab 1870 in Frankreich antrat, der Welt eine neue, moderne Art des Sehens und Malens zu zeigen, die sich vom Naturalismus abwandte, der subjektiven Wahrnehmung oberste Priorität einräumte und die Konturen auflöste, um den zufälligen, flüchtigen Moment in seinem flirrenden Farbenspiel einzufangen , ernteten sie wie alle Avantgardisten anfangs Hohn und Spott. Die Impressionisten unterschieden sich nicht nur durch ihren „ungenauen“; lebhaften Pinselstrich, ihrer neuartigen Farbgebung mit kräftigen, leuchtende Farben und anderen stilistischen Eigenheiten von der gewohnten Bilder-Kost des kunstbeflissenen Bürgers, sie zeigten ihm auch Motive, denen jede Erhabenheit und jedes Pathos fehlte: Straßenszenen mit anonymen Passanten, Freizeitvergnügungen im Park und auf der Pferderennbahn, Szenen in Bars und Bistros und Landschaften , die auf Komposition und Tiefenwirkung verzichten und ganz auf das Spiel von Licht und Farbe und die Wiedergabe des momentanen Seheindrucks setzen. Heute gilt die Bewegung des Impressionismus als Schwanengesang auf die klassizistische Malerei und Wiege der Moderne. Diese Einführung in die Malerei des Impressionismus stellt neben den Größen dieser Stilrichtung Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot und Camille Pissarro auch viele weitere Künstlerinnen und Künstler vor, die größere Aufmerksamkeit verdienen, zum Beispiel Marie Bracquemond, Medardo Rosso und Fritz von Uhde.